A solas (Alone).Magdalena project.Teatros del Canal

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A Solas es un festival de artes escénicas (teatro, danza, música, cuentos y performances) donde hay 37 mujeres de 3 continentes, A SOLAS en escena. Mujeres solas en escena que muestran o dicen lo que necesitan. Su objetivo es dar visibilidad a las creaciones femeninas y propiciar el intercambio, la crítica, el diálogo y la enseñanza.

¿Por qué hacer el Festival A Solas?
Un día desperté y no podía moverme. Estaba inmersa en un abismo
donde solo había tristeza y desesperanza. Unas mujeres, me tendieron
su mano y me animaron a trabajar sola. Fue entonces cuando el abismo
se hizo tan pequeño que pude atravesarlo. La oscuridad seguía ahí pero
empecé a bailar con ella.
Este festival es de solos hechos por mujeres que han sido capaces
de crear algo desde sus abismos: mujeres fuertes y femeninas que
se atreven a estar solas en un escenario.
Para mí, hacer este festival es una forma de protesta: me niego a no
hacer nada porque estamos en crisis, me opongo a los juicios
preestablecidos sobre las obras de mujeres.
A solas no se refiere a la soledad sino a la solidaridad: como fortalecer
los lazos entre mujeres que luchan desde su vulnerabilidad, solas en el
escenario, para conectarse a cada espectador, para quien lo que hacen,
puede significar una mano tendida.
Con este festival quiero darle las gracias a las mujeres del
Magdalena Project que me enseñaron que lo importante no es la
red sino los espacios vacíos que existen en ella.

Amaranta Osorio Cepeda
Directora Artística
Festival A Solas

ESPECTÁCULOS:

¿Por quién lloran mis amores?


Es un espectáculo desde la soledad e intimidad de la mujer, donde se
contrapone constantemente la fragilidad, producida por el espacio y la potencia,
dada por la danza. La historia es construida a partir de un espacio escénico
conformado por 300 vasos de cristal, que encierran a la bailarina en su propia
intimidad, haciendo del espectador un voyeur de su privacidad.
La desnudez física se convierte en metáfora de la entrega absoluta, con la
cual decide iniciar la travesía hacia sí misma, para descubrir y exorcizar sus
dolores, temores y pérdidas, a través de una banda sonora, abstracción de sus
emociones, que mueve sus fibras internas, con el objetivo de ir construyendo
las bases de su futuro.

Equipo
Coreografía y Dirección: Tino Fernández
Dramaturgia: Juliana Reyes
Intérprete: Luisa Fernanda Hoyos
Diseño Iluminación: Humberto Hernández
Escenografía: Tino Fernández
Fotografía: Zoad Humar

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Chants de la Mer Noir  (Cantos del Mar Negro)

En el concierto son un trío que forman una sola voz polifónica. El concierto a
capella nos lleva por los senderos musicales del Mar Negro, inspirados en un viaje
hecho por el conservatorio de Tbilisi y Brigitte Cirla, para investigar y recuperar la
música de las montañas de Georgia. Es también un homenaje a Edisher
Garakanidse cantante, músico y musicólogo. El trío con este concierto lleno de
intensidad y pasión, rinde homenaje al repertorio polifónico de Georgia y Bulgaria. Además de las canciones, Brigitte Cirla nos cuenta los recuerdos de sus viaje, sus encuentros y algunas historias singulares.

Equipo
Producción: Voix Polyphoniques
Coproducción: Albakultur (Alemania)
Dirección Artística: Brigitte Cirla
Intérpretes: Brigitte Cirla, Marianne Suner y Tania Zolty
Iluminación: R. Verley
Sonido: K. Lesèvre

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Mi parce

Mi parce, (término extraído de la jerga popular colombiana): significa colega,
amigo incondicional. Una calle, un barrio, una ciudad, un país, calientes de
crimen, muerte, y corrupción. Allí los “Parceros” arriesgan sus vidas a cambio
de quitar otras, oscuras épocas de narcotráfico y sicariato, hacen del término
“parce”, el símbolo de la fidelidad.Mi Parce cuenta la historia de la novia de un sicario, sus pensamientos, recuerdos, peligros, sueños, no hay ningún orden para ella, un instante donde el pasado y el futuro es estrangulado por el amargo presente.

Equipo
Autora: Patricia Ariza
Modificaciones del texto: Catalina Esquivel y Carolina Torres Topaga
Dirección: Catalina González Saldarriaga y Carolina Torres Topaga
Actriz: Carolina Torres Topaga
Coreografías y Asesoramiento de movimientos: Alejandra Pabón y Chechu Garcia
Imagen y diseño de espacio: Paola González Vargas
Diseño de luces: Eugenio “El pirata”
Fotografías: Ivan Marquez y Antonio Amador
Producción: Projecte Vaca, Ajuntament de Barcelona

El espejo cambiante

El Espejo Cambiante es una instalación audiovisual donde se ejecutan las
acciones de una performer dentro y fuera de la instalación. Es un espectáculo
poético y visual que nos habla de la violencia como colapso social, dedicado
al niño que hay en cada uno de nosotros. Al alma infantil que es capaz de ver
las cosas como son y transformarlas en poesía, alma que todos necesitamos
para crear la paz.Dedicado: A los niños que observan, que son forzados a participar en las guerras y sufren la violencia y la pobreza. A Borges que protege su recuerdo infantil del tigre. A las personas ancianas que vuelven al mundo abierto de los niños, que encuentran sin sentido refugiarse de la guerra y aceptan el pasar de la vida.A mi hija y a este alma que necesitamos para crear y creer en el poder del arte.

Equipo
Concepto y Desarrollo: Rocío Solís (España)
Instalación espacial/diseños y gráfica: Antonella Diana (Italia)
Performer: Rocío Solís (España)
Dirección Escénica: Jadranka Andjelic (Serbia)
Textos: Rocío Solís y material documental
Asistencia en Traducción: Ana Solís (España)
Idiomas de exhibición: Castellano, Inglés, Serbio y Portugués
Técnico: Claudio Pedro Romero

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La muchacha la ballena  y el desierto

Un espectáculo de teatro y cuentería que cuenta una sola historia y muchas
a la vez. Una muchacha y su abuela: una matrona inmensa e implacable con
aires de reina del mundo. Un incendio en medio del infierno, que cambiará sus
vidas para siempre. Y desde entonces, oscuridad y esclavitud. Y en mitad de todo
esto: el amor, como una chispa de luz en un mundo de sombras. Puede o no, ser
determinante, pero es atronador, como todo en aquel paisaje. Como la esclavitud y la libertad. En este espectáculo, la actriz-narradora, a la manera de las antiguas juglarías, va desgranando la trama en cinco voces distintas de mujer.

Equipo
Texto e Interpretación: Marissa Amado
Dramaturgia: Marissa Amado y Juan Manuel Molina
Diseño de Iluminación: David Molina
Producción: Palique – Marissa Amado y Alfonso González
Dirección: Juan Manuel Molina

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El país de la Ausencia


El espectáculo “El país de la ausencia” es un concierto de música
clásica-contemporánea en interacción con una proyección de imágenes de
diferentes artistas plásticos. El público es transportado a través de la música,
fotografías, pinturas, animación y video-arte a través de tradiciones del pueblo
español, así como mundos de fábula y poemas literarios.
Se crea de esta manera un espectáculo envolvente y lleno de estímulos,
despertando la curiosidad del observador, evocando emociones y un mundo
de experiencias en un viaje de sonidos, colores y formas; en ocasiones contando
historias muy concretas, otras a través de sutiles sugerencias y reflexiones abiertas.

Equipo
Directora Artística y Guitarra Clásica: Teresa García Herranz
Soprano: Elisenda Pujals
Video Arte: Noelia García
Fotografías: Grupo de Fotografía Artística Cofrade
Pinturas y realización de los vídeos de animación para 5 poemas de
Gabriela Mistral y Dos canciones: Juan Antonio Baños
Poema y pinturas en La Casa Roja: Juan Carlos Mestre
Compositores: Wim Henderickx, Dusan Bodganovic, Leo Brouwer e Ilya Ziblat
Diseño del sonido y planificación técnica y logística: Arne Bock

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[aPnea]


Cuando la respiración es el sonido más hermoso del mundo después del silencio,
cuando el salto al vacío te excita, la de-construcción es la única salida.
[aPnea] es una reflexión herida acerca de la construcción de la identidad y la
hegemonía social. [aPnea] es un personaje a punto de tomar una inquietante
decisión. Es una cicatriz con forma de puta.

Equipo
Colectivo Nouvelle Basque
Creación: La Ortiga
Ayudante de dirección: Beatriz Nieto
Dirección de Arte: Koldo Jones
Producción y comunicación: Nouvelle Basque

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Ave María


La Muerte se siente sola.
Ceremonia para la actriz chilena María Cánepa.
Trescientos escalones en pocos instantes. Piel de piedra sobre mi cabeza.
Los muertos y las moscas transparentes ¿qué son? ¿Y yo qué valgo?
A lo mejor la muerte no se lo lleva todo.
Estos versos del poeta italiano Antonio Verri resumen el espectáculo.
La actriz inglesa, Julia Varley evoca el encuentro y la amistad con la actriz chilena
María Cánepa. Es la Muerte quien celebra la fantasía creativa y la dedicación de
una actriz que supo dejar una huella después su partida.

Equipo
Actriz: Julia Varley
Dirección y texto: Eugenio Barba
Asistente de dirección: Pierangelo

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Geografía Personal


Geografía personal, es la búsqueda de Mercedes Hernández en el camino que
anduvieron sus padres y sus abuelos. Es la recuperación de los recuerdos que no
sabía que tenía, pero que sabiamente la memoria ha guardado.
Historias familiares; tradición oral de Oaxaca y textos de Andrés Henestrosa y
Juan Rulfo, son el tejido narrativo de este espectáculo.

Equipo
Actuación y dramaturgia: Mercedes Hernández
Asesoría escénica: Guillermina Campuzano
Música: Juan Domingo Rogel
Iluminación y vestuario: Félix Arroyo

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“Daughter”

Lo que veremos en el festival, es un performance, fruto de un laboratorio
de creación de 5 días. Jill Greenhalgh comenzó a trabajar en “Hija/Daughter”
después del 25º Aniversario del Festival Magdalena en Cardiff en 2011.
Entonces, invitó a varias de las artistas que habían participado en el festival, a
hacer un laboratorio de una semana. Continuó con este trabajo en 2012, en Brasil.En este trabajo, Jill y las participantes, exploran las historias personales que
giran en torno a sus experiencias como madres o hijas.

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Apuntes sobre la frontera 

Es un collage de acciones basado en el Tríptico de la Frontera, Violeta Luna
en colaboración con Secos & Mojados.
Apuntes sobre la Frontera presenta a una inmigrante quien deja su país para
ir a buscar mejores condiciones de vida. En sus maletas, materiales y poéticas,
va a guardar las cosas necesarias para empezar su nueva vida. Marcada por
el hecho de haber cruzado al “otro lado” y de por siempre tener una conciencia
de un “aquí y allá”, de un “antes y después”, sus recuerdos y memorias serán
la base de su presente, y su futuro, tendrá sentido al abrir los ojos o cerrarlos a
lo que fue y a lo que puede ser: inmigrante, exiliada, refugiada, indocumentada,
o una nómada.Apuntes sobre la Frontera es un performance interactivo, donde se desarrollan secuencias corporales, intercaladas con diferentes acciones e imágenes concarga política y social. Cada elemento (video, música e iluminación) es parte activa, que contribuyen a la narrativa de la pieza.

Equipo
Concepto/Performance: Violeta Luna
Videos: Mickey Tachibana
Música Original: David Molina
Concepto/Co-Dirección: Roberto G. Varea

 

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Wa no kokoro (Kamigatamai)

La danza, Kamigata-mai nació y se desarrolló en la región de Japón, Kamigata
(Kyoto-Osaka) en el Siglo XVI. Está basada en los tradicionales Noh y Kyogen y
toma algunos de los elementos del Bunraku. Mientras que el Noh, el Kyogen y el
Bunraku suelen ser interpretados por hombres, la danza de Kamigata-mai
es interpretada exclusivamente por las mujeres.
En la antiguedad, “Kamigatamai” se llamaba solamente “Mai”.
El espectáculo de Keiin, parte del estilo original del Kamigata mai pero ella crea
un Mai más poético. “Wa no Kokoro” signifiva “Espíiritu en armonía” y esto es el
corazón de la cultura japonesa y lo más importante para las artes japonesas.
Keiin cuenta que su gran maestro, actor de Noh,Hideo Kanze, le decía siempre
“No interpretes contigo y con tu ego. Sé en tu naturaleza. Puedes ser natural”
Para ella eso es “Wa no Kokoro”.

programa
“Uto” personaje masculino
“Yuki” personaje femenino
Intérprete: Keiin Yoshimura

ACTIVIDADES PARALELAS:

Soisola pata roja
Marta González y Karen Lugo
(España/México)

Marta Gónzalez y Karen Lugo… encontrado el cuerpo inerte de una subespecie en peligro de extinción, habitante de los bosques húmedos, comúnmente conocida como soisola pataroja, se encuentra en estado de observación

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Soy lo que estas buscando
Projecte Vaca
(España)

Soy lo que estás buscando es un recital gamberro pero sensible, tosco pero
re-sentío, irónico pero en serio, cómplice pero con tod@s, despegao pero
comprometido, poético aunque dicho, narrado pero apoemado, musical aunque
unplugged, con mucho amor pero sin apegos… Un reducto de microlibertad para
decir lo que sale del alma, el corazón, las vísceras y otros rincones ignotos del ser.
Soy lo que estás buscando / I’m sure / Pero vengo en otro formato

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Texto y danza para vacas
Monica Cofiño
(España)

El proyecto “Texto y danza para vacas”, es un laboratorio donde investiga
otras formas de representación, reivindica nuevos circuitos del arte, cuestiona
la mirada del espectador y responde a nuevas formas de financiación.
Recientemente ha organizado por pueblos de asturias el festival La Xata La Rifa,
y va de camino a una nueva edición haciendo la XataTour, Cowshows y el
cowfunding, esta vez por EEUU, Cuba, Costa Rica, Francia y España.
“Texto y Danza para vacas” explora la complejidad de los hábitos rurales,
de la danza, lo sencillo de la observación, de lo natural de un ser asociado
únicamente a consumir hierba, dar leche y morir para alimentarnos. Texto, danza, animación, música original y acciones colaborativas para un experimento dedicado a la más tierna y cruel realidad rural.

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Concierto de Iris Azquinezer
(España)

La presentación serán varias obras para cello solo, como Susasí,
Tres Piezas para Aida (Oración, Crisis y Nana) y Suite Andalusí.
Algunas de estas obras nacen de la incapacidad para expresar algo en palabras
y la necesidad de expresarlo en música. Otras, sencillamente, necesitaba
tocarlas, y poco a poco se fueron reuniendo varias piezas con un hilo común que
se transforman, dependiendo de quién las escuche.

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Magda
M. Luisa Pons
(España)

En Magda, M. Luisa Pons, reformula ciertos códigos de género puestos en
escena por las grandes damas del jazz, el blues y el soul, en una revisión
silbada de los temas que inmortalizaron con sus voces y con su presencia.

TRABAJOS EN PROCESO y DEMOSTRACIÓN DE TRABAJOS:

Work in progress de
Ainara LeGardon
(Bilbao/España)

Actualmente se encuentra desarrollando un espectáculo en solitario en el que
trabaja desde la improvisación libre, valiéndose de los recursos de su voz y
su movimiento, combinándolos con las posibilidades que le ofrecen las
texturas de distintos micrófonos y un eco de cinta analógico.
Pastillas de contacto pegadas a su cuerpo, conectadas a varios amplificadores
que se mueven con ella, crean sonoridades y acoples con los que la artista
entabla un diálogo a tiempo real, orgánico y cambiante.

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“Ill canto alla Luna”
Residui Teatro
(Italia-España)

El canto a la luna, es la voz de todas las mujeres que se levanta desde hace
mas siglos de los que podemos contar. Voces a veces perdidas en la telaraña
de la razón o castigadas por las religiones y el poder del hombre. El canto a la
luna es la voz de todas las mujeres que renace y vuelve a vivir a través de otros
cuerpos y generaciones.

Equipo
Dirección: Gregoro Amicuzi
Con: Viviana Bovino, Paula Pascual de la Torre, Paula Cueto Noguerol
Textos y canciones: Residui Teatro

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Demostración de trabajo
“Encounters with an empty room”
Maria Porter
(Estados Unidos)

Es una demostración de trabajo que muestra la relación entre el proceso creativo
y el método Suzuki. En ella se dan ejemplos de entrenamiento y se muestra su
aplicación directa a la creación de material físico. La actriz examina el proceso
de como una actriz entrenada de una manera tradicional tiene la suerte de ser
entrenada por Suzuki y con ello gana independencia creativa a través
de la disciplina física.

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Ensayo abierto
“Anónimas”
Jeito Producciones
(España/México/Dinamarca)

En Anónimas tres hermanas vestidas de blanco juegan al ajedrez. Miran al
enemigo desde La habitación donde se encuentran atrapadas y revindican la
fuerza de la suavidad y de la ternura. Cargan el peso de sus historias y comparten
estrategias de venganza. Sus sonrisas son ingenuas y peligrosas: señales que
marcan un camino de piedras dejadas por las muchas anónimas de la historia que fueron silenciadas. Es una obra en donde confluyen la música en vivo y el teatro.

Equipo
Dirección y dramaturgia: Julia Varley
Texto e interpretación: Amaranta Osorio
Guitarra e interpretación: Teresa García Herranz
Asistente de dirección: Paula Isiegas
Coproducen: Jeito Producciones y Odin Teatret
Con el apoyo de: Nuevo Teatro Fronterizo
y Residui Teatro
Los textos estan basados
en noticias e historias reales

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Work in progress
“Un girasol a la sombra”
Paula Isiegas
(Zaragoza/España)

Es una coreografía de teatro físico y de objetos a partir de una hipótesis de
continuación de “La casa de Bernarda Alba” de Federico García Lorca.
Algunas semillas cayeron en pedregales, donde no había mucha tierra;
y pronto brotó, porque no tenía profundidad de tierra; pero salido el sol,
se quemó; y porque no tenía raíz, se secó.
(Marcos, 4:5-6) Bernarda Alba: ¡Silencio, silencio he dicho! ¡Silencio!
Adela ha muerto. Cuatro hermanas a oscuras, permanecen sin llorar,
sin hablar, sin maldecir.

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Work in progress
“Entre las ruinas
del tiempo”
Teresa Ruggeri
(Italia)

El encuentro imaginario entre Artemisia Gentileschi y Anna Banti.
El work in progress, se inspira en la historiografía sobre la pintora italiana
Artemisia Gentileschi (1593-1653) y la novela sobre la pintora escrita por Anna
Banti, en 1944, durante la Segunda Guerra Mundial en Florencia bombardeada
y arruinada. Los personajes principales son tres: Anna Banti, Artemisia Gentileschi
y una conferenciara contemporánea. La fama de la pintora barroca se debe a la
capacidad de la artista para hacer frente a una carrera reservada sólo para los
hombres y, especialmente, para ser capaz de salir adelante a pesar de los
numerosos obstáculos, incluyendo un juicio por violación en la que ella era la
víctima cuando tenía 17 años, y una vida de aventura, solitaria e independiente.
Artemisia, que vivió en los mismos años de la revolución de Galileo y Caravaggio,
es una de las primeras figuras femeninas autónomas de la era moderna.
Anna Banti (1895-1985) es una escritora que dejó ser crítico de arte para
escribir novelas, tal vez porque era la esposa de uno de los más famosos
historiadores del arte italiano, Roberto Longhi.
En el espectáculo se encuentran tres mujeres sobre las ruinas producidas
por el tiempo. Los documentos pierden su valor y se convierten sólo en objetos
encontrados o perdidos para siempre. Mujeres vivas y muertas necesitan el
ejemplo de experiencias de otras para comprender la propia y para encontrar su
lugar en la historia en un tiempo que corre siempre más veloz. El texto recoge
fragmentos de Anna Banti, Artemisia Gentileschi, textos sobre arte, y poesía
y ensayos de varios autores.

TALLERES:

Taller de Performance
“El cuerpo: territorio y frontera”
impartido por Violeta Luna
(México/Estados Unidos)

3, 4 y 5 de sep de 9hrs a 12hrs, en Nuevo Teatro Fronterizo
Los participantes utilizarán su cuerpo como territorio de creación y desarrollarán
acciones a partir de sus complejidades personales de memoria, identidad
y sentido individual y social de raza, género y sexualidad.
Algunos de los temas que se abordarán son: El Cuerpo (ejercicios vivenciales,
presencia y fuerza interna). El Espacio (relación con el entorno, intervención de
espacios públicos y privado). El Tiempo (real, ficticio y ritual). La Acción (creación
in situ, reacción, estímulos reales y ficticios, interacción con el público y manejo
del accidente). Prácticas de acción, utilizando objetos de la arqueología personal.

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Taller de Danza
“Kamigatamai”
impartido por Keiin Yoshimura
(Japón)

3, 4 y 5 de sep de 9hrs a 12hrs, en Residui Teatro
Kamigata-mai nació y se desarrolló en la región de Japón, Kamigata (Kyoto-Osaka) en el Siglo XVI. Está basado en los tradicionales Noh y Kyogen y toma algunos de los elementos del Bunraku. Mientras que el Noh, el Kyogen y el Bunraku suelen ser interpretados por hombres, la danza de Kamigata-mai es interpretada fundamentalmente por las mujeres.

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Taller
“Narración Oral”
Impartido por Mercedes
Hernández
(México)

3, 4 y 5 de sep de 9hrs a 12hrs, en Residui Teatro
En este taller trabajaremos a partir de la palabra. Exploraremos diversas formas
de contar una historia; propia, de la tradición oral o de la literatura universal.
Buscaremos la sencillez y la economía de recursos como aspiración escénica.
Intentaremos comunicarnos con el público de manera efectiva, lúdica y empática; es decir aprenderemos a contar historias en espacios no convencionales, para públicos insospechados y en condiciones no siempre favorables; confiando en que la memoria ancestral acudirá para cobijarnos, pues esencialmente estamos hechos de palabras. Trabajaremos a partir de una premisa: contar “con” el público, no “para” el público. Durante cada una de las sesiones trabajemos a partir del entrenamiento corporal y vocal; de la escritura de recuerdos; de la lectura de textos y del montaje de las historias.

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Taller
“Interpretación alquímica –
Convertir el hierro en oro”
Impartido por Maria Porter
(Estados Unidos)

6,7,8 de septiembre,de 9hrs a 12hrs en T.Canal
Usando el Método Suzuki de entrenamiento actoral y otras metodologías físicas
tales como View Points, los participantes explorarán cómo crear material físico y,
a continuación, cómo esculpir su trabajo con un ojo de director.
El Método Suzuki es un entrenamiento físico creado por Tadashi Suzuki, que
inculca una disciplina física y mental del actor. El entrenamiento, ofrece al actor,
formas para manipular su cuerpo y para elaborar una narrativa física, mientras
que la estética ’templa’ estas opciones para permitir que emerja la sensibilidad
interna de la obra. View Poins y otras formas de composición permiten al actor
tomar ese material y crear un contexto teatral, trabajando con el tiempo, el lugar
y las relaciones.

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Taller de
“Dramaturgia para el intérprete”
L’explose – Impartido por Juliana
Reyes (dramaturga) y Tino
Fernández (coreógrafo)
(Colombia/España)

6, 7 y 8 de septiembre de 9 a 12hrs en T. Canal
El taller está dirigido a actores y bailarines (profesionales o en formación).
Es un taller práctico, en el que se abordarán los distintos temas a través de
ejercicios de grupo, parejas o solos, a partir del tema del beso.
Se establecerá la relación con el espacio escénico y con los demás, a través de
ejercicios de musicalidad, escucha y composición, con reglas de juego muy
definidas, que permitirán encausar la labor del intérprete y definir sus acciones.
Gracias a estos ejercicios, se planteará una reflexión sobre la dramaturgia del
intérprete y su relación con la percepción del espectador.
De igual manera, se realizarán ejercicios interpretativos, que conducirán a hacer
elecciones incómodas entre: concentración o atención; ver o mostrar; originalidad o singularidad; movimiento o acción.

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Taller de
“Canto-Técnica Vocal”
Voix Poliphoniques
Impartido por Tania Zolty
(Canada-Francia)

6,7 y 8 de septiembre de 9hrs a 12hrs en Nuevo Teatro Fronterizo
El taller está dirigido a cantantes y actores (profesionales y en formación)
El objetivo del taller es encontrar nuestra propia voz, cantada y hablada, para
adquirir una libertad vocal. Un acercamiento global a la voz y al cuerpo que nos
permitirá encontrar la autonomía vocal y desarrollar herramientas propias.

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Del 3 al 8 de septiembre de 2013

ESPECTÁCULOS. Sala Verde 

Martes 3 de septiembre
19 h: ¿Por quién lloran mis amores? L’Explose (Colombia). Danza.
21.30 h: Chants de la mer noir. Voix Polyphoniques (Francia). Musical.

Miércoles 4 de septiembre
19 h: Mi parce. Projecte Vaca-Carolina Torres (Colombia- España). Teatro.
21.30 h: El espejo cambiante. Nomad Teatro (Serbia- España). Instalación Audiovisual  intervenida por una performer.

Jueves 5 de septiembre
19 h: La muchacha, la ballena y el desierto. Marissa Amado- Palique (Perú- España). Cuentos y teatro.
21.30 h: El país de la ausencia. Esfera Ensamble (España). Musical.

Viernes 6 de septiembre
19 h: Geografía personal. Mercedes Hernández (México). Cuentos y teatro.
21.30 h: (aPnea) La Ortiga (España). Teatro.

Sábado 7 de septiembre 
19 h: Ave María. Odin Teatret. Julia Varley (Dinamarca). Teatro.
21.30 h: Geografía Personal. Mercedes Hernández (México). Cuentos y Teatro.

Domingo 8 de septiembre
19 h: Apuntes sobre la frontera. Violeta Luna (México- Estados Unidos). Performance.
21.30 h: Wa no kokoro (Kamigatamai). Keiin Yoshimura (Japón). Danza.

TALLERES (Varios espacios)

3, 4 y 5 de septiembre: de 9 a 12h:

  • Taller “Performance” Violeta Luna (México). Espacio: Nuevo Teatro Fronterizo.
  • Taller “Danza- Kamigatamai” Keiin Yoshimura. Espacio: Residui Teatro.
  • Taller de “Narración oral”. Mercedes Hernández (México). Espacio: Residui Teatro

6, 7 y 8 de septiembre: de 9 a 12h:

  • Taller del “Interpretación Alquímica” Maria Porter (Estados Unidos). Espacio: Centro Danza Canal.
  • Taller de “Dramaturgia para el Intérprete” Juliana Reyes y Tino Fernández (Colombia). Espacio: Centro Danza Canal.
  • Taller de “Canto-técnica vocal” Tania Zolty. Voix Polyphoniques (Francia). Espacio: Nuevo Teatro Fronterizo.

Los interesados en participar en alguno de estos talleres deberán enviar el número del localizador del ticket, el nombre del taller o talleres en los que desean participar y una breve biografia: informacion@jeitoproducciones.com

ACTIVIDADES PARALELAS (en el hall de la Sala Verde, para clientes y abonados que hayan adquirido entrada para ese día)

  • Martes 3 de septiembre – 21.10 h – Soisola pata roja. Marta González y Karen Lugo (España). Musical
  • Miércoles 4 de septiembre – 21.10 h – Soy lo que estas buscando. Projecte Vaca-Laura Freijo (España). Teatro
  • Jueves 5 de septiembre – 21.10 h – Texto y danza para vacas. Mónica Cofiño (España). Danza
  • Viernes 6 de septiembre – 21.10 h – Autorretratos – resultado del taller de Violeta Luna
  • Sábado 7 de septiembre – 21.10 h – Concierto de Iris Azquinezer (España). Musical
  • Domingo 8 de septiembre – 21.10 h – Silbatriz.  M. Luisa Pons (España). Musical

CHARLAS. Sala Negra (Solo para los abonados e inscripciones directas del Festival).
Aforo por día:­­­­­­­­­­­­­­ 80 personas

3 de septiembre

  • De 13 a 14.30 h – Palabras de  Amaranta Osorio y presentación de  todas las participantes.
  • De 16 a 17 h – Jill Greenhalgh (Reino Unido), Violeta Luna (México-Estados Unidos) y Rocío Solis (España).

4 de septiembre

  • De 13 a 14.30 h – Esfera Ensamble (España), Voix Polyphoniques (Francia), Marta González e Iris Azquinezer (España).
  • De 16 a 17 h – Keiin Yoshimura (Japón), Juliana Reyes (Colombia) y  Mónica Cofiño (España).

5 de septiembre

  • De 13 a 14.30 h – Mercedes Hernández (México), Project Vaca,  Blanca Ortiga y M. Luisa Pons (España).
  • De 16 a 17 h – Julia Varley (Dinamarca), Maria Porter (Estados Unidos) e Itziar Pascual (España).

6 de septiembre

  • De 13 a 14.30 h – Directoras de festivales de mujeres: Jill Greenhalgh (Reino Unido), Julia Varley (Dinamarca) y Amaranta Osorio (España-México).
  • De 16 a 17 h – Mesa de gestoras culturales: Ana Belén Santiago (Nuevo Teatro Fronterizo), Pilar Rubio (Centro Dramático Nacional) y Helen Varley (Nueva Zelanda).

TRABAJOS EN PROCESO y DEMOSTRACIÓN DE TRABAJOS. Sala Negra(Solo para los abonados e inscripciones directas del Festival).
Aforo por día: ­­­­­­­­­­­­­­80 personas.

3 de septiembre. Trabajos en proceso

  • 17.50 h: Work in progress de Ainara LeGardon (España). Musical.

4 de septiembre. Trabajos en proceso

  • 17.50 h: Pre-estreno “ Il canto alla Luna” Residui Teatro (Italia-España). Teatro.

5 de septiembre. Demostración de Trabajo

  • 17.50 h: Demostración de trabajo “Encounters with an Empty Room” Maria Porter. Estados Unidos.

6 de septiembre. Trabajos en proceso

  • 17.50 h: Ensayo abierto “Anónimas”. Jeito Producciones (España, Dinamarca, México)

7 de septiembre. Demostración de Trabajo

  • 13-14.30 h: Work in progress “Entre las Ruinas del Tiempo” de Teresa Ruggeri y Work in progress de Claudia Delso.
  • 16-17.00 h: Muestra de Participantes.
  • 17.50 h: Work in progress “Un girasol a la sombra” de Paula Isiegas (España). Teatro gestual.

8 de septiembre. Muestra

  • 13-14.30h: Muestra de Participantes.
  • 16-17 h: Muestra de Participantes.
  • 17.50 h: Performance Daughter” Jill Greenhalgh (Reino Unido – España)

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Teatros del Canal. Cea Bermúdez, 1. 28003 Madrid (Spain)